Lo que debes saber sobre el Gypsy Jazz

Por Manuel Ferreira.

Desde sus inicios la música jazz, parecía destinada a multiplicarse en variedad de sub géneros, gracias a su carácter libre y siempre abierto a la experimentación.

Uno de los ejemplos más notables es el llamado “Gypsy Jazz” también conocido como “Gypsy Swing” o “Jazz Manouche”, mezcla de jazz, musette Frances y música gitana,  gestado durante los años 30 en Francia por músicos gitanos y representado por el guitarrista Django Reinhardt y su grupo “Quintette du Hot Club de France”.

Pocas veces en la historia una solo agrupación resumiría las características estilísticas de un género como en esta ocasión.

Y es que el gypsy jazz se encuentra lleno de particularidades, desde su instrumentación, en la cual predominan los instrumentos de cuerdas, generalmente contrabajo, dos o tres guitarras y violín.

Ocasionalmente usaban algún instrumento de viento o percusión, siendo este tipo de instrumentos “ajenos” al género, sin embargo podemos apreciar lo bien que quedan estos instrumentos en piezas como “Out of Nowhere” original de Johnny Greene y Edward Heyman interpretada por quintette du hot club. 

Es común el uso del acordeón y el clarinete cuando el repertorio incluye piezas valses tipo mussete francés.

Otra curiosidad es el tipo de guitarra con las que se suele interpretar el Gypsy Jazz, y la manera de tocarlas.

Django utilizaba el modelo Selmer Maccferri. 

Esta guitarra aportaba un sonido distinto a lo que comúnmente ofrece una guitarra acústica por lo que se convirtió automáticamente en un sello del gypsy jazz.

Otro elemento a destacar es la manera en que se toca la guitarra en este tipo de jazz.

Debido a que no había percusión, la guitarra asumiría la labor de brindar ritmo a la agrupación, por medio de una técnica que llamaron “Le Pompe”. 

Una forma de tañer las cuerdas muy percusiva y vertiginosa acentuando los tempos 2 y 4 de la misma manera que en el swing, tiene mucho que ver con el tipo de toque llamado “boom chick” de la música bluegrass. 

Este ritmo suelen llevarlo 2 guitarras por lo que se hace imprescindible que se toque con mucha limpieza y precisión rítmica para que no caiga el beat, (que generalmente ronda los 200 bpm), y que se pueda escuchar con claridad los acordes. 

Los guitarristas suelen alternar las cuerdas graves (que usualmente llevan la tónica y la quinta del acorde) y las cuerdas agudas en estaccato (entrecortadas)  utilizando la pua para dar mayor sensación percusiva.

Para realizar estos ritmos en staccato los guitarristas tocan las cuerdas y levantan rápidamente la mano para que el sonido se apague antes de lo esperado, y a su vez poder tocar las cuerdas que han quedado muteadas al momento de levantar la mano para añadir algo percusión. 

La mayoría de veces los acordes tienen un par de cuerdas muteadas, estas se tocan a la vez que aquellas que si están aportando sonido por la misma intención de crear percusión para la agrupación. 

En cuanto a la armonía, es herencia del jazz clásico. Usándose en la mayoría de piezas tonalidades menores (menor eólica, dórica, armónica o melódica).

Las progresiones de acordes suelen ser bastantes sencillas en los inicios del estilo, basados en el I VI II V. luego en los años 50 con la llegada del bebop comienzan a ser mucho más recargadas.

Los acordes de 2, 3 ó 4 notas son de uso frecuente dejando en segundo plano el uso de cejilla.

Este tipo de acordes son introducidos y adoptados por el estilo gracias a Reinhard, que al contar con solo tres dedos hábiles en su mano izquierda (pulgar índice y medio) consolidó esta forma de acordes a partir de posiciones que abarcaban hasta 4 notas, incluyendo en ellos las notas más importantes y dejando tónica y/o quinta al contrabajo.

Aunque muchos guitarristas de Gypsy jazz adoptan este tipo de acordes es común ver el uso de acordes un poco más extendidos, que abarcan 4 o 5 cuerdas tocadas por partes, intercalando cuerdas graves y agudas.

El uso de acordes triadas es poco frecuente mientras que los acordes séptima, sexta y novena son los más comunes tanto de forma independiente como mezcladas entre sí.

Django Reinhardt

También podemos encontrar acordes dim, dim7 y dominantes 7(5#), 7(9b), 7(9#) dominantes secundarios, entre otros tantos recursos armónicos utilizados en el jazz.

En referencia a los recursos solistas podemos destacar ocho escalas mayor, menor natural (eólica), menor armónica, menor melódica, gypsy, de tonos, disminuida y cromática que se combinan con arpegios tocado generalmente a corcheas, corcheas swing y tresillos.

Estos arpegios son el alma de solista gypsy a partir de ellos se construyen los solos mezclándolos con las escalas.

Otros recursos destacables es el tocar melodías o solos octavando cada nota. Lo habitual es tocar la octava grave como refuerzo. Este manera de ejecutar melodías y solos lo popularizó el guitarrista de jazz clásico Charlie Christian en los años 30. Se suele ejecutar en dos cuerdas alternas con una de separación entre ambas.

Los cromatismos también forman parte del repertorio gypsy (y del jazz en general) usados frecuentemente entre los arpegios. 

Es muy común escuchar a los solistas haciendo slides o glissandos ascendentes y descendentes tocados muy rápidamente en varias cuerdas a la vez

Otro recurso muy empleado es inclusión de fragmentos disminuidos encadenados en los solos. Estos acordes al repetirse siempre igual por terceras menores favorecen el que los toquemos rítmicamente o en arpegios por todo el mástil. Con ellos podemos sustituir la dominante7 desde su 9b por ejemplo un G7 puede ser sustituido por un Abdim7 y sus consiguientes disminuidos Bdim7, Ddim7 y Fdim7.

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El tremolo, que consiste en tocar la duración de notas largas en subdivisiones mucho más pequeñas como semicorcheas y seisillos, es otro elemento que se puede escuchar en los solos gypsy, generalmente durante los glissandos o frases melódicas.

Los barridos o sweep picking suelen emplearse en arpegios, permitiéndole al solista tocar el arpegio muy rápidamente, ejecutando un movimiento de barrido en las cuerdas hacia abajo y hacia arriba mientras la mano izquierda digita las notas correspondientes.

Otro elemento solista que algunos interpretes utilizan son los armónicos naturales. Estos se crean pulsando levemente las cuerdas encima de los trastes

Por ultimo tenemos los double stops, que consiste en crear líneas melódicas armonizadas con terceras, sextas entre otros intervalos. No se emplea con tanta frecuencia como las melodías octavadas, pero sin duda es un recurso interesante que puede contribuir en la creación de un buen solo. 

Sin duda es un género fascinante tanto para el que toca como para el que escucha, lleno de particularidad y sonido único.

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Manuel Ferreira @manufmusic